Apples and Oranges

Festival Vodafone Mexefest - Porto

2012-01-20T02:00:00.002Z

O início do mês de março será marcado na cidade invicta pela passagem do Festival Vodafone Mexefest. A essência deste festival é precisamente que o público percorra a cidade para assistir a diferentes concertos, tendo estes por cenários os mais variados locais (recorde-se que na edição lisboeta, em dezembro, houveram concertos a bordo de autocarros e em estações de metro, como foi o caso do concerto dos portugueses Paus).

Para esta edição existem já alguns nomes confirmados, como é o caso dos Foals (que se apresentarão neste festival em formato DJ set), de Hanni El Khatib, Josh Rouse, ou Fink; ou de bandas portuguesas como os Best Youth, os Capitão Fausto, os Salto, ou The Glockenwise.

Destaque também para um dos projetos de Manuel Cruz, os Supernada, banda que surgiu em 2002, a par dos Pluto, que será certamente uma das presenças mais esperadas neste festival.

Já são conhecidos também alguns dos cenários onde terão presença os espetáculos, sendo alguns deles o Coliseu do Porto, o Café Magestic, a Fnac de Santa Catarina e o Teatro Sá da Bandeira.

Para mais informações podem consultar o site oficial em:

http://www.vodafonemexefest.com/

O preço dos bilhetes é de 40euros para o passe de dois dias.

18 janeiro 2012

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The Blues Explosion em março no Porto

2012-01-20T01:58:00.000Z

Os Blues Explosion (ou Jon Spencer Blues Explosion, como também são conhecidos, devido ao seu vocalista) são um trio nova-iorquino formado já em 1991, cuja composição conta com Judah Bauer, Russell Simins e Jon Spencer. O seu estilo, como o nome indica, conta com fortes influências do blues, mas não só, o garage, o rockabilly, o punk, o soul e o noise rock são outros géneros responsáveis pela definição do som da banda.

Uma das suas particularidades é que todos os elementos da banda estão, ou estiveram, ligados a outras bandas, como é o caso do baterista Russell Simins que esteve ligado na produção ao trabalho de artistas como os Yeah, Yeah, Yeahs, Duran Duran, Tom Waits ou The Pierces.

Os Jon Spencer Blues Explosion passam em março por Portugal, depois de atuarem no mesmo mês no festival All Tomorrow's Parties, em Londres, no dia 8. No dia 15 será a vez de Lisboa assistir ao seu concerto no TMN ao Vivo, mas antes no dia 14 o trio passa pelo Hard Club para marcar o norte do país com a sua presença.

O preço dos bilhetes é ainda desconhecido.

Discografia:
1992: Jon Spencer Blues Explosion
1992: Crypt-Style
1993: Extra Width
1994: Orange
1996: Now I Got Worry
1998: ACME
1999: Xtra ACME ou ACME+
2002: Plastic Fang
2004: Damage
2006: Silver Monk Time

17 janeiro 2012

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Melhores do ano 2011 - Música - ComUM

2012-01-19T00:14:00.003Z

1- Hisingen Blues, Graveyard

O segundo álbum dos suecos Graveyard marca sem dúvida uma viragem na forma de fazer rock e é difícil resistir ao seu revivalismo pelo hard rock dos anos 70. O concerto no Milhões de Festa tornou-os mais conhecidos do público português e este álbum é uma confirmação de que as influências de Led Zeppelin, Black Sabbath ou Blue Cheer não ficaram adormecidas nos anos dourados do rock.

2- El Camino, The Black Keys

Após vários discos bem conseguidos, a dupla de Ohio prova que a receita original continua a fazer sucesso mesmo com o passar dos anos. Afinal o blues é um género intemporal e a banda de Dan Auerbach prova que não baixa a fasquia mesmo depois de Brothers, álbum do ano passado já muito aclamado pela crítica. Este reconhecimento tardio, tendo em conta que os Black Keys já existem desde 2001, prova que o garage rock está finalmente agora a mostrar os trunfos e que a febre indie do início da década passada tende a ser esquecida e o verdadeiro rock está de volta.

3- Build Your Beast A Fire, Weird Owl

Ainda bastante desconhecida, esta banda de Nova Iorque ofereceu-nos em 2011 um segundo álbum bastante psicadélico e místico como seria de esperar. Para quem não os conhece, posso dizer que fazem lembrar um pouco uns MGMT, menos eletrónicos, mais voltados para o stoner, permitindo-nos viagens mais profundas. Se no primeiro álbum nos faziam lembrar a acidez de bandas como 13th Floor Elevators, neste segundo estão bastantes mais calmos e introspetivos. A descobrir.

10 janeiro 2012

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Melhores do ano 2011 - Séries - ComUM

2012-01-19T00:08:00.001Z

1- Breaking Bad

Assistimos este ano que passou à quarta temporada desta série apaixonante. As aventuras do químico Walter White adquirem dimensões impensáveis e é impossível não nos apaixonarmos por esta personagem, das mais carismáticas dos últimos anos. Na minha opinião esta foi sem dúvida a melhor temporada da série; o nível de ação a cada episódio não nos deixa respirar e já há muito que uma série não nos fazia tão fortemente desejar o próximo episódio. Neste momento é com o mesmo espírito que os fãs esperam ansiosamente pela quinta temporada.

2- Boardwalk Empire

Já tão aclamada pela crítica, e frequentemente comparada a Sopranos, a série produzida por Martin Scorsese conheceu este ano um novo vigor com a segunda temporada. Algumas personagens começam-se agora aqui a revelar e a trama está finalmente a ganhar mais desenvolvimento, após uma fase mais descritiva da primeira temporada. Um dos seus trunfos, a par do brilhante desempenho de um Steve Buscemi, diferente daquele a que estamos habituados, é a notável evolução da personagem desempenhada por Michael Pitt, bem como a revelação do própria ator.

3 – PAN AM

Embora não a possa considerar uma das minhas séries preferidas, decidi incluir esta agrádavel surpresa neste top das melhores séries do ano que passou. Precisamente por me ter surpreendido bastante, quem assiste aos anúncios ou trailer pensa que se trata de outro chick flick, mas a realidade é que embora a maioria dos dramas da série sejam bastante femininos, os fatos históricos e sociais da América não são descuidados. Assistir a esta série foi para mim assistir a uma versão mais leve e mais feminina de Mad Men, pelo charme, cenários e sentimento geral de classe que passa.

10 janeiro 2012

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Driver - Risco Duplo

2012-01-18T22:55:00.000Z

No IMDb (Internet Movie Database) o nome da personagem principal deste filme aparece-nos como “Driver” (em português “O Motorista”). A personagem de Ryan Gosling (Blue Valentine - Só Tu e Eu e O Diário da Nossa Paixão) não tem de fato nome, mas cativa-nos logo desde o primeiro momento pelo seu carisma de bom rebelde, um héroi solitário.

Drive conta-nos a história de um duplo de cinema e mecânico nas horas vagas, que tenta fazer tudo para ajudar a vizinha Irene (intrepertada pela atriz Carey Mulligan, conhecida de Uma Outra Educação), após se aperceber dos problemas pelos quais ela passa, uma vez que nutre desde logo um sentimento forte por esta mal se conhecem.Por um lado o Motorista quer conquistar Irene, por outro chega a um ponto em que a sobrevivência se torna a missão principal.

Em alguns pontos Drive fez-me lembrar o clássico Taxi Driver (de 1976, com Robert de Niro), não só pela semelhança do nome, mas pelas caraterísticas da personagem principal. Este filme de Nicolas Winding Refn, que estreou no nosso país no passado dia 8 de dezembro, conta também com a presença de atores como Christina Hendricks (da série Mad Men, transmitida pela 2) e de Bryan Cranston (da série Breaking Bad – Rutura Total em português – transmitida em cabo no MOV).

Não aconselhável a estômagos mais sensíveis, por algumas cenas bastante violentas que possui, este filme apostou fortemente também na edição sonora, por isso para uma experiência mais completa quando o visualizarem, aconselho que não tenham o volume no mínimo.

13 janeiro 2012

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Meia-Noite em Paris

2012-01-18T22:53:00.000Z

Midnight In Paris é o título original deste filme de Woody Allen que estreou no nosso país no passado dia 15 de setembro de 2011. O já conhecido ator Owen Wilson (conhecido por filmes como Eu, Tu e o Emplastro, ou Os Fura-Casamentos) dá vida a Gil, um escritor que se encontra em Paris de férias com a namorada, Inez (Rachel McAdams), e a família dela.

Entre várias peripécias comuns às relações humanas, temática sempre abordada por Woody Allen de forma muito peculiar, Gil descobre um Paris diferente, sempre à meia-noite, altura em que se abre para ele uma Cidade das Luzes bem diferente. O filme está nomeado para quatro globos de ouro, entre eles, o de melhor realizador, melhor argumento e melhor filme na categoria de comédia/musical.

Na minha opinião um dos pontos fortes do filme é a escolha dos cenários, Woddy Allen abandona mais a uma vez a sua cidade, Nova Iorque, e parte em busca de novos cenários, como já havia feito por exemplo em Vicky Cristina Barcelona, altura em que nos deslumbrou com paisagens da cidade capital da província da Catalunha. Meia-Noite em Paris conta também com a presença de atores como Marion Cotillard (A Origem, La Vie en Rose), Adrien Brody (O Pianista), e da conhecida esposa do primeiro-ministro francês, Carla Bruni.Vale a pena aguardar pela estreia em DVD para ver este filme.

12 janeiro 2012

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The Great Escape of Radio Moscow

2012-01-18T22:49:00.000Z

Antes de mais começo por deixar bem claro no início desta crítica que ainda não percebi se a nível pessoal gosto ou não do terceiro álbum dos Radio Moscow. Talvez um mês de audições ocasionais do álbum não tenha chegado para perceber, mas isso significa logo à partida que no meu caso não foi amor à primeira vista. A verdade é que para tentar perceber se era ou não impressão minha li bastantes críticas na internet a The Great Escape of Leslie Magnafuzz mas as minhas suspeitas não se confirmaram, o álbum tem sido muito elogiado pela crítica, no entanto fiquei com uma dúvida: essas críticas reflectiam apenas este álbum, ou todo o percurso dos rapazes de Ohio?

É precisamente aqui onde pretendo chegar, se não conhecem o percurso anterior dos Radio Moscow e este vai ser o primeiro álbum que vão ouvir, sem sombra de dúvida que não se vão desiludir. Trata-se de facto de álbum excelente onde se nota que a perfeição técnica não foi descurada um segundo, mas no meu ver o problema reside exactamente aí. Quem acompanhou a carreira da banda de blues psicadélico americana conhece certamente os álbuns anteriores – Radio Moscow (2007) e Brain Cycles (2009) – e notou claramente a mudança que houve do primeiro para o segundo, passando o trocadilho os Radio Moscow tornaram-se claramente mais “cerebrais” em Brain Cycles – as músicas tornaram-se aparentemente mais curtas e talvez até mais comerciais, claro que no caso de uma banda com os Radio Moscow não podemos falar em comercial com ligações ao mainstream, como acontece com as bandas indie, mas sim numa tentativa de agradar à crítica pela excelente técnica que concretizam. Em The Great Escape of Leslie Magnafuzz essa transformação continua, as músicas decorrem com um ritmo muito mais acelerado, mais próximas do stoner que do blues sensual a que nos tinham habituado no primeiro álbum com músicas como Mistreating Queen e De ep Blue Sea. Podemos de facto afirmar que enquanto o primeiro álbum foi composto com a emoção, os que se seguiram tiveram um claro domínio da razão. Ao ouvir Radio Moscow ficamos com a sensação que escutamos um grupo de talentosos amigos de Ohio que se juntou para fazer uma jam que correu miraculosamente bem, em Brain Cycles e The Great Escape of Leslie Magnafuzz temos a noção de que toda essa produção foi bastante trabalhada e pensada em detalhe – não que isto seja um problema, mas são opiniões.

Apesar da loucura frenética que o novo álbum nos transmite (acredito que este álbum agrade em muito aos fãs mais apaixonados do stoner) destaco duas faixas que prenderam a minha atenção – Speed Freak, cujo nome reflecte este novo estilo dos Radio Moscow, e Insideout – faixa que conheci quando a banda americana actuou este ano no Milhões de Festa, em Barcelos, e que me chamou a atenção por ser tão diferente do primeiro álbum (que confesso ser o meu preferido, como já deu para notar, da banda).

Mais uma vez afirmo que tratando-se aqui de uma crítica, é impossível ser imparcial, por isso refiro que os críticos consideraram a evolução entre o primeiro e segundo álbum bastante positiva, pelo que o meu ponto de vista não se foca como no caso deles na perfeição técnica, mas sim na sensação com que fiquei à medida que fui conhecendo o trabalho dos Radio Moscow.

The Great Escape of Leslie Magnafuzz foi descrito nos media online como um álbum caótico, pela positiva, e comparado ao trabalhos de nomes enormes como os Cream ou Blue Cheer. Talvez daqui a uns meses a minha opinião sobre este álbum tenha mudado, mas para já a impressão com que fiquei foi de que se podia ter mantido o blues mais groovy do primeiro álbum.

22 novembro 2011

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Nova rapariga, velhos clichés

2012-01-18T22:47:00.000Z

Como espremer ainda mais o já aborrecido papel de Zooey Deschanel em 500 Days of Summer? New Girl, a nova série da Fox, é a resposta.

Começo por dizer que esta série não traz absolutamente nada de novo. Não só o cliché da personagem é já antigo e digno de tantas comédias de domingo à tarde, como a relação desta com os colegas parece uma estranha imitação da de Penny com os seus vizinhos nerds em The Big Bang Theory.

Mas vamos lá resumir a história. New Girl conta-nos o dia-a-dia de uma jovem (Jess) que, após acabar a longa relação com o namorado ao descobrir que foi traída, resolve mudar de casa. Depois de ler um anúncio online, muda-se para um apartamento onde moram três rapazes (Nick, Schmidt e Winston). Nestas três personagens, reside muito do que a série tem de mau: para além de não terem características que os marquem minimamente, as poucas que têm estão muito mal conseguidas.

As tentativas de estereótipos criadas deixam muito a desejar, bem como a própria capacidade de representação dos atores. Há também uma mudança de personagens do episódio piloto para os que se seguem que nos deixa confusos. É o que acontecesse quando trocam a personagem de Coach, que aparece no primeiro episódio, por Winston, que dá depois continuidade ao lugar deste na casa. No início, mal se percebe que são personagens diferentes e que não trocaram apenas o ator. Não falam sequer na personagem que saiu, nem dão qualquer explicação para isso.

Nota-se, contudo, uma melhoria ao longo dos escassos cinco episódios com que a série ainda conta, embora algumas falas continuem também a soar estranhamente e nos deixem com aquela sensação de que faltou bastante sal ali.

Quanto a Zooey Deschanel, como já referi, o seu papel lembra-nos demasiado o da personagem que a tornou conhecida para o público em geral. Jess é, contudo, mais desastrada e inocente do que seria de aceitar, como se toda a série girasse em torno das reações ‘fofas’ que se esperam da personagem. Ela tem, no entanto, uma melhor amiga, Cece, que supostamente é modelo.

Logo no primeiro episódio, deparamo-nos com uma cena em que a super-desastrada Jess tem de se vestir para um encontro e a amiga corre em seu auxílio. Aqui, o comportamento da personagem principal é completamente inexplicável e não pela positiva, pois não é minimamente credível que alguém com o aspeto da atriz seja tão inexperiente e capaz de figuras tão ridículas (acho que já vi melhor em séries para adolescentes da Disney).

Para além disso, Jess usa constantemente um par de óculos que não condiz em nada com a ideia de tóto que a personagem pretende passar, mas sim com uma hipster pretensiosa ou intelectual. Fora disto, o guarda-roupa da personagem é idêntico, mais uma vez, ao de Summer. Mas, o mais ridículo da série é que toda a gente trata Jess como se ela fosse uma rapariga pouco atrativa e estranha, incapaz de despertar o desejo de qualquer homem, quando na realidade, ela está bastante bonita e atraente em quase todas as cenas. ‘Simply adorkable’ é o slogan da série e a suposta descrição de Jess. Um cliché muito pouco credível é a minha opinião.

Em suma, se fazem parte da legião de fãs de Zooey e, principalmente, da sua persoangem em 500 Days of Summer, vejam esta série porque não se vão desiludir (muito). Se, porém, não o forem, então procurem algo melhor para ver.

10 novembro 2011

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“Feels like I´m in Heaven… or should I say GRAVEYARD”

2012-01-18T22:39:00.000Z

Se o vosso sonho é entrar numa máquina do tempo, viajar até aos anos 70 e ser transportado até um concerto dos Led Zeppelin, Black Sabbath ou Blue Cheer (facto, a capa do álbum faz lembrar a de Outside Inside dos mesmos), lamento mas a ciência ainda não nos permitiu tal feito. Porém o segundo álbum dos Graveyard pode proporcionar-nos uma experiência parecida. E é na base do blues, do rock psicadélico e também do stoner que a banda construiu o seu estilo intenso que agrada tanto a fãs do metal como do indie.

A banda que surgiu dos extintos Norrsken, formação que deu origem também aos Witchcraft, põe a Suécia no mapa do hard-rock feito à moda antiga, e traz-nos um álbum onde a alma e a paixão escorrem de cada acorde. Se já com o primeiro e homónimo álbum os Graveyard o tinham conseguido, Hisingen Blues lançado em Abril deste ano é uma gloriosa confirmação desse mesmo talento e fervor.

Mas façamos uma breve análise ao álbum, Ain’t Fit to Live Here isoladamente não é das melhores músicas da banda sueca, mas dá-nos logo uma injecção de energia que nos prepara para o que vem a seguir e nos deixa logo à partida viciados no som dos Graveyard e na incrível voz do vocalista Joakim Nilsson (e aqui vos confirmo que ao vivo não desilude um segundo, antes pelo contrário).

O tema que se segue em Hisingen Blues é No Good, Mr Holden, confesso que no meu caso foi a faixa que mais me cativou da primeira vez que ouvi o álbum. Com duração de quase cinco minutos esta música começa com a inversão do refrão, não sendo por isso perceptível essa parte da letra, porém à medida que a canção vai avançando o resultado não podia ser melhor, pois quando chegamos ao refrão este já nos é familiar. Podendo ser considerado uma balada este é um dos temas mais intensos do álbum e uma das suas particularidades, aliás uma das características da banda mesmo, é ser bastante visual como podemos ver em alguns versos, como estes por exemplo: (Just give me your mind your head and your soul/ Give me your sun and show me your moon).

Hisingen Blues, a faixa que dá nome ao álbum, ocupa o terceiro lugar no alinhamento deste. Inteligentemente foi escolhida como single de apresentação do álbum, sendo a única música com videoclip oficial, e define completamente o estilo da banda sueca. Foi disponibilizada no last.fm para download gratuito, porém no site o número de vezes que foi ouvida não é assim tão significativamente superior a outras do disco, o que prova que pelo menos nesta amostra quem ouviu este tema, ouviu muito provavelmente o álbum inteiro de seguida. Hisingen é também o nome de uma ilha na Suécia, provavelmente a terra natal dos Graveyard, ou um local marcante na sua carreira. A letra desta música acaba por ser um pouco épica, falando de demónios amigos e dragões, (Going by the riot/call the rest a stone/leading to the isle where i dont wanna go) e de toda uma aventura mítica passada nesta ilha, num hino tecido sobre o blues.

Uncomfortably Numb remete-nos imediatamente para o célebre tema dos Pink Floyd. Ter-se-à tratado de uma homenagem? Ambas têm características em comum, a capacidade de nos envolver e dos nos transportar para outra realidade, porém no tema dos Graveyard isto não é feito exactamente com o nosso consentimento, mas sim com uma certa resignação. A letra centra-se exactamente no tema que os Led Zeppelin mais abordavam, o amor. E claro que aqui ele é tratado na sua forma mais dolorosa, mas ao contrário das letras dos seus antecessores britânicos, em que a culpa era toda atribuída à figura feminina, aqui vê contada a história de uma relação condenada ao falhanço desde o início, como podemos perceber pelo início do refrão: (I’ve been leaving you since the day we met/ And it feels like you have too). É sem dúvida das músicas mais marcantes do álbum.

Buying Truth (Tack & Förlåt) é o quinto tema de Hisingen Blues, (tack e förlåt, palavras suecas que em português significam obrigado e desculpa) e é o tema que nos traz de novo mais um grande golpe de energia. Leva-nos também para outro assunto a nível de letras, a crítica aos valores morais, algo muito marcado também no álbum anterior. Aliás a crítica social também aparece no tema Hisingen Blues, mas os Graveyard tem uma forma muito peculiar de caracterizar o mundo à sua volta, como mais à frente disso trataremos. Longing é a faixa que se segue, embora seja só instrumental é considerada por muitos como a melhor música do álbum. Longing leva-nos para ambientes longínquos e quase sempre cinematográficos, a referência a The Good, the Bad and the Ugly é quase imediata, e normalmente seguida por uma alusão a Kill Bill. Estamos claramente perante um tema perfeito para a banda sonora de um western.

Ungrateful Are the Dead retoma um pouco a essência de Buying Truth, ambas nos transmitem uma forte vibração blues e nos soam um pouco a Blue Cheer. Quem diria que ainda assistiríamos a isso em pleno século XXI? E assim seguimos para RSS que continua a não nos desiludir nesta onda e não nos deixa descansar deste groove incansável, e nos prepara para o grande final – The Siren.

Quem conhece o primeiro e homónimo álbum dos Graveyard, sabe que The Siren finaliza Hisingen Blues, tal como Satan’s Finest finaliza o primeiro, e enquanto a última tece uma forte crítica social falando das principais tentações a que o homem cede e de como o demónio nos tenta, na primeira esse demónio também está lá (como não deixa de estar no tema Hisingen Blues, se bem que com uma conotação completamente diferente). Tonight a demon came into my head and tried to choke me in my sleep é o refrão que não nos deixa indiferente e nos vai ficar na cabeça por horas e horas a fio. Mais uma vez para os Graveyard o amor é a salvação e algo que nos pode salvar da maldição que nos atormenta: In the darkest hour, my woman brought me back to life/. É sem dúvida o melhor clímax que os Graveyard poderiam ter dado como desfecho pela intensidade, pela junção perfeita do blues e do stoner, e pela história e sensação de despertar de um pesadelo que realmente nos consegue transmitir.

Sentimentos que nos ficam não só depois de ouvir The Siren, mas depois de ouvir todo o álbum. Sentimentos e frases que Hisingen Blues inspiram em quem os ouve, pois meus caros amigos o título desta crítica não é da minha autoria, é sim uma frase que vi num comentário no youtube feito por um utilizador no vídeo desta mesma última faixa.

Mas Hisingen Blues não ficou por aqui. Pouco tempo depois foi lançada outra versão com mais três temas de bónus. Dois destes não eram desconhecidos, tratavam-se de versões ao vivo de duas faixas do álbum anterior: Blue Soul e As The Years Pass By, The Hours Bend, mas os Graveyard decidiram incluir uma surpresa para os seus fãs, um novo tema – Cooking Brew. Não desiludindo no instrumental e vigor, o que mais ressalto nesta música é o facto de ser extremamente visual: Blue turns red, While the green turns brown, I walk away from my past/… When blue turns black and gray no longer turns you on…/; de facto toda esta miscelânea de cores reforça ainda mais o carácter psicadélico da banda e metafórico das suas letras.

Mas como soa o Hisingen Blues ao vivo?

Se ficaram com vontade de conhecer os Graveyard ou já eram fãs, podem encher já neste momento as vossas almas de arrependimento se os perderam ao vivo este verão no Milhões de Festa, em Barcelos. No dia 22 de Julho, mesmo não sendo os cabeças de cartaz desse dia, a banda sueca atraiu até à cidade dos galos centenas de fãs do rock old school, e mais uma vez embora me possa estar a tornar repetitiva, do blues, do stoner e do psicadélico, que tinham nestes a principal atracção da noite. As t-shirts e emblemas dos Led Zeppelin, Black Sabbath e Pink Floyd identificavam quem tinha vindo para ver os Graveyard e certamente identificaram no final quem ficou completamente estarrecido pela alma e paixão que os quatro elementos destilaram naquele pequeno palco à beira do Cávado. Embora tímidos ao entrar no palco, mal as guitarras fizeram soar os primeiros acordes de No Good, Mr Holden não mais se deixou de sentir um calor e energia reconfortante e um sentimento comum partilhado por todos que amam este tipo de música e que o achavam este feeling já enterrado há muito no tempo. Penso que não estou errada ao admitir que foi um dos melhores concertos deste verão.

31 novembro 2011

(Podem ler outra versão mais reduzida desta crítica aqui.)

“The future’s uncertain, and the end is always near”

2012-01-18T22:37:00.000Z

Não podemos dizer que há um álbum que marque o estilo dos Doors, cada um deles ajuda na construção de um todo. Morrison Hotel nem é um dos primeiros, portanto não podemos analisá-lo e interpretá-lo como sendo a base de toda a obra da banda.

Apesar de começar com Roadhouse Blues, uma espécie de hino à curta e boémia existência preconizada por Jim Morrison, grande parte do Morrison Hotel toca-nos com músicas incrivelmente melódicas e confortantes, como Waiting For The Sun, Blue Sunday, The Spy,Queen Of The Highway e Indian Summer. Percebemos porque a palavra “Hotel” está no nome do álbum (hotel este que existia realmente, e a fotografia lá tirada pode ter sido o motivo do nome do álbum), porque este é um espaço para descansar e para relaxar, sem grandes filosofias, aproveitando o momento sem pensar no futuro. São essencialmente músicas que nos consolam, parecem feitas para ouvir enquanto observamos um pôr-do-sol quente de Agosto, nunca esquecendo o misticismo que sempre acompanhou a obra de Morrison. Acredita-se mesmo que Queen Of The Highway retrata a relação de Jim com a sua companheira, Pamela, sendo o “monster, black dressed in leather” ele próprio.

É possível que Jim Morrison tenha reflectido, neste álbum, as suas intenções para o que seria o seu presente e futuro, assim como um leve balanço do que até ali lhe tinha acontecido, abordando as experiências mais marcantes. Depois de vermos o filme The Doors (1991), de Oliver Stone, ou, provavelmente, qualquer outro documentário sobre a banda, é impossível não associar as letras de Jim à sua experiência pessoal.

Morrison Hotel funciona, então, no conjunto da obra dos Doors, como uma pausa, um pequeno momento de reflexão e introspecção após a euforia e experiências dos álbuns anteriores. Por outro lado, é um grito de resistência de Jim Morrison antes mesmo da sua fase mais decadente.

Não existem, neste álbum, músicas de maior duração e psicadelismo como outras que marcam a carreira dos Doors, como Light My Fire,The End ou When The Music is Over. A maioria das músicas, apesar de não fugirem a este género, fundido com algum blues e jazz, ronda os três ou quatro minutos. Por isso mesmo, quando ouvimos todo o álbum, chegamos ao fim com a sensação de que acabou cedo demais, que 37 minutos não são suficientes.

Por último, podemos relembrar que Morrison Hotel foi bem recebido pela crítica, até porque veio no seguimento de The Soft Parade, do ano anterior, um álbum mais experimental que havia sido severamente criticado.

14 março 2011

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O charme da publicidade em Mad Men

2012-01-18T22:35:00.000Z

Como se consegue mentir para ganhar poder e dinheiro e mesmo assim dormir de consciência tranquila?

É este o mote da série da AMC, Mad Men, que arrecadou na semana passada mais alguns Emmy´s para juntar aos prémios que já colecciona desde a primeira temporada. É natural para quem não vê a série, ou apenas apanhou por acaso alguns episódios na 2, questionar-se: Mas a série tem assim tanta qualidade para receber todos esses prémios?

Não me cabe a mim julgar tal facto. Acompanho esta série há cerca de dois anos (apesar da sua exibição ter começado um ano antes) e a verdade é que, apesar de não ser uma série com um nível elevado de acção propriamente dita, ainda consegue na quarta temporada surpreender-me bastante.

Apesar de a acção se desenrolar na Nova Iorque do final da década de 50 e inícios dos anos 60, a temática não deixa de ser actual – a globalização, o monopólio crescente das grandes empresas, como inovar, ser diferente e ousado – e a forma como a série nos mostra as transformações políticas e principalmente sociais na história americana exerce sobre o telespectador uma nítida sensação de trabalho bem feito.

A série desenrola-se à volta da vida profissional e pessoal de Don Draper (interpretado pelo actor Jon Hamm), um publicitário em ascensão que vê a sua carreira destruir vários pilares importantes da sua vida. À medida que vamos conhecendo mais Don a série fica cada vez mais fascinante e existem segredos que vão sendo revelados acerca do misterioso protagonista ao longo das quatro temporadas já existentes.

Outro dos universos abordados é precisamente a relação de Don Draper com as mulheres. Todos os tipos de mulheres. E o tempo em que a acção se desenrola é bastante significativo para mostrar a evolução social que o papel da mulher sofria na altura, ora falamos da perfeita dona de casa americana dos anos 50 para quem o bem-estar da família é tudo, ora falamos da mulher que põe a sua carreira como prioridade e deseja mostrar ao mundo que pode ser tão boa como o homem.

A nível de cenários e guarda-roupa as coisas não poderiam correr melhor em Mad Men. Cafés, restaurantes, casas, carros, tudo nos transporta para a época nesta série e as indumentárias das personagens são verdadeiramente de sonho e deixam transparecer classe. Na direcção fotográfica de Mad Men não estamos a brincar aos anos 60, estamos sim a reflectir o glamour da classe executiva nova iorquina.

Mas os dois factores principais que me levaram a ver esta série foram não só o facto de ser um óptimo exemplo de produção de época, mas o espaço profissional onde a maioria da acção se desenrola – o mundo da publicidade. Um mundo que estava nesta altura a dar ainda os primeiros passos e onde tudo era permitido. Logo primeiro episódio o maior desafio da Sterling-Cooper (empresa onde a acção se inicia) é criar anúncios publicitários para a Lucky Strike num clima que me iam sendo dados a conhecer à sociedade os dados científicos que provavam que o tabaco matava. Para quem ainda não viu a série posso dizer que a solução adoptada foi um slogan que perdura até aos dias de hoje.

Questões éticas e morais são fortemente abordadas nesta série, mas apesar do seu carácter sério somos levemente envolvidos por uma atmosfera clássica e luxuosa que nos deixam embevecidos e nos fazem adorar esta classe mafiosa de fato e gravata.

Para finalizar não vou tentar imitar Don Draper e arranjar um slogan fabuloso que faça nascer em vocês a necessidade de ver Mad Men pois esta crítica não é um anúncio publicitário, mas a verdade é que aconselho vivamente a série principalmente a quem quer seguir esta área e acredito que se vão identificar com algumas situações.

2 dezembro 2010

Os Pink Floyd de Syd Barrett

2012-01-18T22:33:00.000Z

The Piper At The Gates Of Dawn – 1967 - o 1º álbum de Pink Floyd

Para a grande parte do público, Pink Floyd é sinónimo de uma das maiores bandas de sempre da história do rock. O que a maioria não sabe é que até composições como Wish You Here ou Another brick in the wall um longo caminho foi percorrido.

Se tomarmos Dark Side Of The Moon como uma marco na história de Pink Floyd, podemos dizer que há um antes e um depois deste álbum. The Piper At The Gates Of Dawn marca não só início de Pink Floyd como nos ensina a ouvir todos os primeiros álbuns com mais atenção.

Certamente a história dos Pink Floyd seria muito diferente se tivessem começado já com David Gilmour na sua composição em vez de Syd Barrett. Certamente não seriam também conotados como banda psicadélica, e este é provavelmente o maior exemplo desse estilo na vasta discografia da banda.

The Piper At The Gates Of Dawn leva-nos numa viagem de cerca de 41 minutos por lugares inimagináveis, misteriosos e obscuros. Aliás era esse o espírito que povoava a cabeça de Syd Barrett nessa altura. No pouco tempo em que esteve nos Pink Floyd (1965-1968) Syd produziu obras que a maioria dos músicos almeja construir durante toda a sua vida e podemos mesmo dizer que ele é o génio criativo por detrás do primeiro álbum da banda britânica.

Tal como Jimi Hendrix, Syd aproveitou a sua inclusão pelo mundo do LSD para nos transportar para uma nova experiência musical. The Piper At The Gates Of Dawn é isso mesmo. Uma descoberta surreal onde podemos dedicar músicas a personagens inacreditáveis como o gato Lucifer Sam, revisitar a infância com melodias doces e inocentes como Mathilda Mother,The Gnome ou Bike, e finalmente realizar odisseias espaciais vanguardistas para a época comAstronomy Domine e Interstellar Overdrive (a primeira das músicas de Pink Floyd de maior duração que ocupava quase dez minutos deste albúm).

A verdade é que se só conhecêssemos os Pink Floyd de The Wall ou The Final Cut, muito dificilmente os imaginaríamos capazes desta proeza, deste atrevimento só proporcionado por não terem ainda o rótulo de “uma das melhores bandas do mundo” e por serem ainda tão frescos e não terem ainda nada que provar a fãs ou críticos.

Após a saída de Syd Barrett o seu estilo manteve-se ainda em mais alguns albúns de estúdio como A Saucerful of Secrets (ainda com a presença de Syd em Jugband Blues), Ummagumma, Atom Heart Mother, Meddle, Obscured by Clouds, estes quatro de carácter mais experimental embora ainda muito psicadélico, até chegarmos ao aclamado Dark Side Of The Moon, cuja história poderíamos contar numa outra crítica…

Para finalizar podemos dizer que embora The Piper At The Gates Of Dawn não tenha atingido os números que outros álbuns dos Pink Floyd alcançaram, a verdade é que é considerado por muitos como um dos melhores primeiros álbuns da história da música. Opinião partilhada por mim, uma humilde fã que sem pretensões quis apenas dar a conhecer os primórdios de uma das mais enigmáticas bandas da história da música.

19 novembro 2010

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